提要：
作为在两岸三地极具知名度的香港电影导演，高志森总是擅于捕捉小人物的喜怒哀乐，并用喜剧的方式呈现在电影荧幕之上。
电影中，高志森对生活的深刻洞察，让观众在捧腹大笑之余，又能产生强烈的情感共鸣。正因如此，在香港电影的浪潮中，高志森的作品风格独树一帜，留下许多至今仍被观众津津乐道的经典作品。
当大众的目光长久聚焦于高志森在电影领域缔造的辉煌时，舞台剧悄然成为他人生中又一片重要的天地。他以独特的艺术视角，将舞台剧视作电影创作的 “实验基地”，在这里不断探索、创新。
无论是作为在电影领域成绩斐然的导演，还是在舞台剧领域积极开拓的创作者，“电影为观众而拍” 的理念始终贯穿于高志森多年的创作生涯，成为他矢志不渝坚守的创作之本。
▲高志森
电影创作面临“剪辑”困境
在高志森的职业生涯中，《南海十三郎》是浓墨重彩的一笔。
1997年，这部采用舞台剧原班人马打造的电影上映后，一举斩获第34届金马奖最佳男主角、最佳改编剧本、最佳剪辑奖三项大奖。
影片以“心声泪影女儿香，燕归何处觅残塘。红绡夜盗寒江雪，痴人正是十三郎” 的吟唱开场，讲述了一代粤剧名家、唐涤生恩师南海十三郎的传奇一生，是一部献给全港编剧乃至所有编剧的情怀之作。
▲《南海十三郎》
值得一提的是，这部电影是高志森亲自剪辑的。正是凭借这部作品，他荣获了金马奖最佳剪辑奖，这无疑是对他剪辑才华的高度认可。
谈及电影创作，高志森认为，目前电影创作面临最大的挑战来自两个方面：剧本和剪辑。
“剧本是电影的根本，是电影的灵魂，以我的定义来说，优秀的剧本是源自作者对自己生活的真实感悟和体验，而不是AI编出来的。我个人很喜欢剪辑，可以说剪辑是现在我们面临的最大挑战。一个好的剪辑，AI是剪不出来的，剪辑绝非简单的拼接镜头，剪辑是What't the next cut即下个镜头剪什么，每一个cut都是一次创作。”高志森深有感触地说。
在高志森眼中，剪辑是电影创作中最为关键的环节。一个好的剪辑不能拘泥于过去的经验，如果根据过去的做法，很多时候剪出来的就是剪辑效果，电影需要蒙太奇的手法。
“蒙太奇就是通过巧妙的剪辑点，而创造出全新的意义，赋予电影独特的电影感。老实讲，随着科技的发展，电影制作的许多环节都发生了变化，现在演员的脸、对白、声音等都可以借助AI进行修改，画面的后期调整也更加便捷。但剪辑，依然是AI无法替代的艺术。”
高志森以自己正在拍摄的电影《功夫少年》为例，讲述了剪辑的重要性。
“在佛山拍摄一个半月，动用两台机器，加上Google和航拍，拍摄回来的素材长达78个小时，还未算花絮，而最终电影的放映时长可能仅在90分钟到100分钟之间。如此庞大的素材量，需要精心挑选每一个镜头，剪辑的难度和重要性不言而喻。”
高志森感慨地说：“现在对我来讲，剪辑太重要了，剪辑可能是电影创作最后的关键，甚至决定着一部电影的成败，可以说一个电影的生死是剪辑。”
好电影要用心讲故事
在AI技术迅猛发展并深度融入各行各业的当下，电影行业也难以置身事外。AI技术的应用，给传统电影人带来了不小的冲击，不少人因此产生了危机感。对此，高志森却不以为然。
“我没有危机感。”高志森坚定地说。在他看来，AI为电影制作带来了便利，不过过度依赖绿幕等技术，容易让影片显得虚假。随着AI技术的普及，观众对高难度、壮观镜头的惊喜感和意外感逐渐消失，因为他们清楚，这些画面大多是后期合成的效果。
“现在，观众在家用手机就能进行拍摄和剪辑，对AI技术也不陌生。过去编剧若开篇写‘千军万马’，会被质疑拍摄难度，但现在这已经不是难题了，同时观众对这类大场面的新鲜感和刺激感却大不如前，那些千军万马的震撼场面已经不能让观众惊叹了，因为观众知道都是特效的功劳。”
对于高志森而言，AI技术只是在电影创作中提供了更为便利的方式。在他近期拍摄的电影中，也适当地运用了这些技术。
“在最近拍摄的一部电影中，有两三个小片段就采用了绿幕。有一场是拍摄赛车场景，如果在现场拍，不仅要准备很多车，要拍摄人物在车上对话方法也很复杂。而通过绿幕拍摄，一个早上三个小时就能拍完所有对白，再安排另一组人去真正的赛车点拍摄不同角度的赛车画面进行配合，总共只需两个早上。这大大节省了人力和物力，要是在现场拍摄，这场戏可能需要两天时间。”
科技应该是为制作提供方便，这是高志森在电影创作中始终坚持的观念。
“绿幕技术还能很好地解决替身问题，方便将主角融入之前拍摄好的场景中。除了绿幕，AI在处理演员口音、喉咙痛发音不好等这些情况时也很实用，能快速替换对白，为电影的制作提供便利。”
高志森称，自己不会为了科技而去拍一部电影。因为他始终相信，电影是有心有火的电影工作者用心讲述故事的载体，科技只是辅助讲故事的手段，而不是因为有了特技就去编写适合特技的剧本。
“现在，有些电影工作者都是为了科技而去拍一个电影，我是不太同意这样做法的。一个好的电影工作者，一定是内心有‘火’，然后去讲他非常想讲的故事，我还是很重视这一点。”
电影体验拥有独特魅力
电影行业面临的挑战不仅来自AI，手机短视频和短剧的兴起，也是电影业不容忽视的新势力。
高志森坦言，当下的短剧在绿幕房间内几分钟就能拍完一集，经济效益还颇为可观，这对传统电影制作造成了一定影响。
“很多人邀请我参与短剧制作，甚至想购买我的电影IP，也谈过几次，我发现短剧市场现在竞争很激烈，但是和电影是不同的商业模式。虽然短剧受众不少，像保安、保姆这类闲暇时间较多的人群，上班族休息的时候也会经常观看，但是在手机上看短剧和在电影院看电影的感受是截然不同的。”
深耕于电影行业多年，高志森认为，电影体验拥有着独特的魅力。
“人类是群居动物，需要社交活动，而看电影就是一种不太昂贵的社交选择。只要电影足够精彩，就会有人愿意花几十块钱走进电影院，在黑暗的房间里，对着大屏幕专注地感受一个多小时的喜怒哀乐，这种体验是无法被替代的。”
高志森提到，过去两年，香港陆续有几部电影打破票房纪录，这表明即使在短视频爆火的今天，观众仍没有放弃电影院。“就像舞台剧一样，演员在观众面前现场唱、跳、演、弹，与观众互动，这种现场感和互动性是手机屏幕无法替代的。”
回溯过往不难发现，不同时代的娱乐方式虽会分流观众，但电影始终有其独特的魅力。
“20世纪七八十年代电视兴起，大家一窝蜂地看电视，有人认为电影会没落，但是并没有，总是会有一批观众愿意走进电影院。90年代香港录像带盗版猖獗，很多人买录像带回家看，当时电影院观众的确少了很多，香港电影行业也走下坡路，但同时，也促使一批观众转向剧院，从90年代中开始，香港的舞台剧30年来一直发展得非常不错。所以随着社会经济发展，不同阶层的观众有不同的需求。”
随着电视、手机短视频的出现，电影受众不断被分流，这也意味着对电影制作提出了更高的要求，导演需要投入更多情感和思想，面临更大的挑战。高志森对此表示，面对竞争，只有付出更多努力才能让作品进步。
“甚至我现在有一个概念，如果有机会拍电影，每一次拍摄我都视为是我最后一部电影，抱着这样的心态全力以赴，这是过去一两年我最大的感悟。”
回顾电影行业的发展，高志森从微短剧的兴起谈到他们那个时代的电视制作。过去，香港电视台培养了众多台前幕后的人才，如徐克、许鞍华、杜琪峰以及他自己，大家都在电视台的制作和创作中积累了经验。
高志森认为，从另一个角度看，手机微短剧这种实验性的事物，有可能培养出许多年轻的电影工作者。
“他们起码经历过真正的制作、真正的创作，作品有好有坏，从来都是这样，但是在培养人才方面，短视频和微短剧的兴起有可能也是一个机会。”高志森如是说。
▲高志森
舞台剧是电影的“实验基地”
近年来，舞台剧成为高志森人生中另一个重要舞台。
自1995年起，高志森的工作重心逐渐从电影转向舞台剧，并创办了 “春天实验剧团”，开启了在戏剧领域的新征程。
1995年6月3日，“春天实验剧团” 正式成立，创团剧《我和春天有个约会》也在当日首演。从那时起，剧团不断发展壮大，至今已演出超过90出不同类型的剧场节目，本地演出总场数超过1400场，累积票房超过2.7亿港元，观众入场总人次更是超过110万。
高志森不仅是集编、导、演于一身的影视全才，也是香港舞台剧商业运作的能手。《南方都市报》曾这样评价高志森“在舞台剧领域又有出色表现，为香港舞台剧的商业运作开拓了新的局面”。
“作为一种现场表演艺术，舞台剧没有替身，演员们在舞台上直接为观众呈现唱、跳、演、弹奏等表演。它的门票价格通常也比较高，一场演出观众可能仅有1000多位，这样的特性使得它成为中产阶级知识分子喜爱的艺术形式。”
高志森认为，剧院更重视表演者与观众的直接交流和互动，与银幕下的故事讲述方式有所不同，这种现场感和互动性是舞台剧独特的魅力所在。
“舞台剧中表演者和观众两者之间的直接互动、现场气氛都是需要刻意用心去经营的，虽然银幕上与舞台上都是在说故事，但媒介不一样，表达手法也有所不同。”
在高志森眼中，舞台剧还是一个绝佳的实验基地。他创立的春天实验剧团就像是一个大型排练室，一部戏的排练时间可能持续4到6个星期，之后进行演出。
“从戏剧创作角度看，这是一个全面的实验过程，包括对剧本起承转合的打磨，通过演员来塑造角色，以及观察观众的反应。像《虎度门》《我和春天有个约会》《南海十三郎》《人间有情》《伴我同行》等，还有我最近在佛山拍摄的电影《功夫少年》，其最初都源自舞台剧，舞台剧的呈现为后续改编成电影奠定了基础。”
在高志森看来，这种先进行舞台剧实验再改编成电影的方式，既节省成本，又能降低风险。
“在香港，相对较低的成本就可以进行戏剧实验，实验成果不仅可以重演、巡回演出，还能改编成电视剧或影视作品，而前期的舞台实验让创作者在制作电影时心中更有把握。”
电影是为观众而拍
作为导演，高志森执导了40部电影，以策划、监制或编剧的身份参与的影片有80多部。但无论是哪一种身份，“电影为观众而拍”的理念一直是高志森多年坚守的创作之本。
高志森认为，深入了解观众的喜好和接受点，是电影创作的立足之本。只有避免重复拍摄质量不佳的内容，才能真正创作出符合观众需求的作品。
“认为自己的艺术观众看不懂是观众水平低，评委不给奖项是评委水平低，作品不卖座是观众水平烂，这种观点既狭隘又荒谬。”高志森直言不讳地批评一种偏颇观念。
高志森自称为电影圈的 “独行侠”。不过，他的独行并非孤立无援，而是在坚守独特创作风格的道路上不断前行。无论是电影还是话剧，也不论是悲剧还是喜剧，他都致力于以喜剧的形式引导观众走进故事，让观众在欢笑与感动中获得力量，让观众带着正能量走出影院。
在高志森看来，电影创作绝非自说自话的孤芳自赏，而是与观众的深度对话。他强调：“我们现在拍电影，要以观众的接受点为立足点，电影是为观众而拍。” 这就要求电影人深入了解当下观众的喜好与需求，敏锐捕捉观众的目光焦点，明确观众爱看什么、喜欢什么、能够接受什么。只有这样，才能创作出真正触动观众心灵的作品，而不是盲目重复那些已被市场淘汰、质量堪忧的题材。
同时，高志森也清醒地看到行业存在的问题。尽管价值观具有多样性，他尊重每个人的创作选择，但对于反中乱港的意识形态，他毫不留情地予以批判。过去十余年，他积极发声，对演艺行业中任何损害国家利益、服务“颜色革命”的不良现象予以评论。
“有些电影工作者内心缺乏真正想讲述的故事，没有对创作的热忱与激情，只是盲目地迎合所谓的票房价值。他们或许认为这样能够获得商业上的成功，但这种创作态度无疑是舍本逐末。”
高志森深知，艺术不仅是娱乐，更是温暖人心、鼓舞精神的力量。身为一位香港导演，他希望自己的作品能体现香港文化的特色，香港有着中西文化交汇的特点，同时也有着传统与前卫交汇的特色。
1984年，高志森导演的处女作《开心鬼》一炮打响，之后《家有喜事》《我和春天有个约会》等卖座影片也相继上映。如今，他已执导41部电影，但创作脚步并未停歇。他计划在76岁之前拍满50部电影，以此向自己最喜爱的三位导演致敬。这不仅是对前辈的敬仰与传承，更是对自己电影生涯的一种期许与挑战。
▲《开心鬼》
高志森表示，在未来的创作道路上，自己将继续秉持着为观众而拍的创作理念，用镜头讲述更多精彩的故事。正如他曾经所说：“如果我76岁的时候还在摄影机的旁边，那就是我最大的幸运。”
采访：朱顺忠
编辑：李影
视觉：李辰昊
统筹：李秀平
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